<p class='article-text'>تعد «الأوديسة» واحدة من أقدم النصوص المؤسسة في الأدب الغربي، وواحدة من أكثر الحكايات بقاءً في الذاكرة الإنسانية. منذ نحو 3 آلاف عام، ظلّت رحلة أوديسيوس من حرب طروادة إلى إيثاكا تقرأ وتُترجم وتُعاد كتابتها، كأن كل زمن يجد فيها صورته الخاصة عن الحرب والغياب والبيت.</p><p class='article-text'>لكن تحويل نص بهذا العمر إلى فيلم ليس مهمة بسيطة. فـ«الأوديسة» لم تولد رواية حديثة ذات بداية ووسط ونهاية، بل ملحمة شعرية شفهية تُنسب إلى هوميروس، تتكون من 24 كتاباً، وتقوم على الإيقاع والتكرار والاسترجاع وتدخل الآلهة في مصائر البشر. إنها نص عاش قروناً قبل السينما، وقبل الرواية الحديثة، وقبل فكرة "البطل" كما نعرفها اليوم.</p><p class='article-text'>لهذا، فإن نسخة نولان لا يمكن أن تكون نقلاً حرفياً. فكل اقتباس من «الأوديسة» هو اختيار: ماذا نبقي؟ ماذا نختصر؟ هل نرويها كحكاية آلهة ووحوش، أم كرحلة إنسان خرج من الحرب ولم يعرف كيف يعود؟ وهل يظل أوديسيوس بطل الحيلة كما في القصيدة، أم يصبح فيلماً معاصرًا عن الذاكرة والذنب والنجاة؟</p><p class='article-text'>هنا يبدأ الفرق الحقيقي بين هوميروس ونولان: فملحمة هوميروس لم تكن رواية خطية بالمعنى الحديث. كانت قصيدة تُروى وتُغنى، تقوم على التكرار والإيقاع والعودة إلى الماضي وتدخلات الآلهة. أما فيلم كريستوفر نولان فيأتي كحدث سينمائي ضخم بميزانية تُقدّر بنحو 250 مليون دولار، وتصوير كامل بكاميرات آيماكس 70 ملم، وطرح عالمي صُمم ليكون تجربة بصرية كبرى، لا مجرد درس أدبي على الشاشة.</p><p class='article-text'><b>قصيدة وشاشة</b></p><p class='article-text'>الفرق الأول بين الأصل والفيلم في طبيعة السرد. هوميروس لا يبدأ القصة من سقوط طروادة، بل من منتصف الأزمة، أوديسيوس غائب منذ سنوات، وبينيلوبي محاصرة بالخُطّاب، وتيليماخوس يبحث عن أبيه. ثم نعرف مغامرات أوديسيوس لاحقًا من خلال الحكي والاسترجاع.</p><p class='article-text'>لكن السينما غالباً تحتاج إلى ترتيب أوضح وإيقاع أسرع. لذلك، أي فيلم عن «الأوديسة» سيضطر إلى الاختيار: هل يحافظ على البناء غير الخطي؟ هل يبدأ من طروادة؟ هل يعطي البحر مساحة أطول؟ هل يختصر بعض المحطات؟ </p><p class='article-text'><b>بطل مختلف</b></p><p class='article-text'>في الأصل، أوديسيوس بطل الحيلة، فشهرته قائمة على الذكاء والخداع والقدرة على النجاة. لكن القراءات الحديثة تميل إلى رؤيته كشخص أكثر تعقيدًا: محارب عائد من حرب طويلة، يحمل ذنباً وصدمة وتعباً.</p><p class='article-text'>هنا تظهر أهمية ترجمة إميلي ويلسون لعام 2017، التي أعادت تقديم الملحمة بلغة حديثة وسهلة، فافتتاحيتها الشهيرة تصف أوديسيوس بأنه «رجل معقد»، في ترجمة لكلمة يونانية طالما تُرجمت بمعاني مثل «كثير الحيل» أو «متعدد الطرق». ويغير هذا الاختيار نظرتنا إليه: ليس مجرد بطل ذكي، بل شخصية مليئة بالتناقضات.</p><p class='article-text'><b>آلهة أقل</b></p><p class='article-text'>تميل الاقتباسات الحديثة، ومنها قراءة نولان، إلى تقليل التدخل الإلهي المباشر لصالح المسؤولية النفسية والأخلاقية. بدل أن يكون كل شيء نتيجة غضب إله، يصبح السؤال: ماذا فعلت الحرب بأوديسيوس؟ ماذا فعل الغياب ببيته؟ وماذا يعني أن يعود رجل محملًا بالعنف إلى مجتمع ينتظره بوصفه ملكًا؟</p><p class='article-text'><b>نساء أكثر</b></p><p class='article-text'>واحدة من أهم مناطق التغيير في الاقتباسات الحديثة هي الشخصيات النسائية. في الأصل، تبقى بينيلوبي رمزاً للوفاء والانتظار، بينما تظهر سيرسي وكاليبسو غالباً من زاوية رحلة أوديسيوس. لكن الفيلم الحديث لا يستطيع أن يتركهن مجرد محطات في طريق البطل.</p><p class='article-text'>لذلك، من المتوقع أن تصبح بينيلوبي أكثر من زوجة تنتظر، وسيرسي أكثر من ساحرة، وكاليبسو أكثر من امرأة تؤخر عودة الرجل. هذا التحول يعكس قراءات معاصرة تسأل اسئلة حديثة تعكس الواقع اليومي.</p><p class='article-text'><b>أرقام ضخمة</b></p><p class='article-text'> «الأوديسة» ليس اقتباساً صغيراً من نص كلاسيكي. فتشير تقارير إلى أن ميزانيته تقارب 250 مليون دولار، ما يجعله أضخم أفلام نولان تكلفة. كما أنه أول فيلم تجاري كبير يُصور كاملًا بكاميرات آيماكس 70 ملم، وهي نقطة جعلت التجربة التقنية جزءاً من الدعاية نفسها.</p><p class='article-text'>افتتح الفيلم في عروض الخميس بأمريكا الشمالية بنحو 17.6 مليون دولار، وهو رقم قياسي لعروض المعاينة في 2026 بحسب تقارير شباك التذاكر. وفي الهند، سجّل في يومه الأول نحو 20 كرور روبية، ليصبح من أكبر افتتاحات أفلام هوليوود هناك. أما التوقعات المبكرة فتضع افتتاحه المحلي في عطلة نهاية الأسبوع قرب 117 مليون دولار، مع إمكانية تجاوز 200 مليون دولار عالمياً إذا استمر الزخم الدولي.</p><p class='article-text'><b>نهاية أخرى</b></p><p class='article-text'>في ملحمة هوميروس، يعود أوديسيوس، يقتل الخُطّاب، يستعيد بيته، ثم تتدخل أثينا لإنهاء دورة الانتقام. أما التقارير عن نسخة نولان تشير إلى تغييرات في النهاية، منها تقليل دور التدخل الإلهي، ومنح تيليماخوس موقعاً أكبر، وربط عودة أوديسيوس بفكرة الذنب والتكفير أكثر من استعادة السلطة فقط.</p><p class='article-text'>وربما تكون هذه هي قوة «الأوديسة»، فكل زمن يجد فيها رحلته الخاصة. عند هوميروس، هي رحلة ملك إلى بيته. عند نولان، قد تكون رحلة إنسان إلى ما تبقى منه.</p>

The Odyssey يعود إلى الشاشة

من هوميروس إلى نولان.. كيف تتغير «الأوديسة» حين تصل إلى الشاشة؟

<p class='article-text'>قبل أن تكون «الأوديسة» فيلماً ضخماً لكريستوفر نولان، كانت واحدة من أقدم قصص العودة في التاريخ الإنساني، فهي ملحمة يونانية منسوبة إلى هوميروس، تتكون من 24 كتاباً، وتروي رحلة أوديسيوس، ملك إيثاكا، بعد انتهاء حرب طروادة.</p><p class='article-text'>القصة تبدو بسيطة في ظاهرها: رجل يريد العودة إلى بيته. لكن الطريق إلى البيت يستغرق 10 سنوات كاملة، بعد حرب استمرت بدورها 10 سنوات. أي أن أوديسيوس لا يعود من معركة واحدة، بل من عشرين عاماً من الغياب: عشر سنوات في الحرب، وعشر سنوات في البحر.</p><p class='article-text'>لذلك، فإن «الأوديسة» ليست قصة مغامرات فقط، إنها قصة رجل يحاول أن يعرف ما تبقى منه بعد الحرب، وامرأة تحاول حماية البيت من الانهيار، وابن يكبر وهو لا يعرف إن كان أبوه حياً أم مات.</p><p class='article-text'><b>قبل الرحلة</b></p><p class='article-text'>لفهم «الأوديسة»، يجب الرجوع إلى حرب طروادة. هناك ظهر أوديسيوس بوصفه أحد أذكى قادة الإغريق، وصاحب الحيلة الشهيرة: حصان طروادة. لم يكن أقوى المحاربين جسداً، لكنه كان الأقدر على الخداع والتخطيط والنجاة.</p><p class='article-text'>بعد سقوط طروادة، يبدأ الجميع رحلة العودة. لكن أوديسيوس يغضب إله البحر بوسيدون بعد أن يعمي العملاق بوليفيموس، ابن بوسيدون. ومن هنا تتحول رحلة العودة إلى سلسلة عقوبات واختبارات، ويتحول البحر هنا من طريق إلى البيت لمتاهة طويلة.</p><p class='article-text'>وتروي الأسطورة أن الإغريق، بعد حصار مدينة طروادة سنوات طويلة دون أن يتمكنوا من اقتحامها، صنعوا حصانًا خشبيًا ضخمًا وأخفوا داخله عددًا من أفضل محاربيهم، ثم تظاهروا بالانسحاب وتركوا الحصان هديةً للطرواديين.</p><p class='article-text'>ظنّ أهل طروادة أن الحصان رمز للنصر أو قربان مقدس، فأدخلوه إلى داخل المدينة. وفي الليل خرج الجنود المختبئون منه، وفتحوا أبواب المدينة لجيشهم الذي عاد سرًا، فسقطت طروادة.</p><p class='article-text'><b>بيت ينتظر</b></p><p class='article-text'>بينما يضيع أوديسيوس في البحر، تعيش زوجته بينيلوبي في إيثاكا تحت ضغط الخُطّاب الذين يريدون الزواج منها والسيطرة على المملكة. هي لا تعرف إن كان زوجها سيعود، لكنها ترفض الاستسلام. فتؤجل، وتراوغ، وتستخدم ذكاءها بطريقة تشبه ذكاء أوديسيوس نفسه.</p><p class='article-text'>أما الابن تيليماخوس، فيبدأ الملحمة شاباً قلقاً يعيش في ظل أب غائب. ويعد جزء مهم من القصة ليس رحلة أوديسيوس فقط، بل رحلة تيليماخوس أيضاً ليصبح رجلاً، ويبحث عن خبر أبيه، ويفهم معنى أن يحمل اسمًا كبيرًا في بيت مهدد.</p><p class='article-text'><b>وحوش وآلهة</b></p><p class='article-text'>في الطريق، يواجه أوديسيوس محطات أصبحت من أشهر صور الأدب العالمي: آكلو اللوتس: قومٌ في الأساطير اليونانية يتغذّون على نبات أو ثمرة تُسمّى اللوتس، ومن يأكل منها ينسَ وطنه ورغبته في العودة إليه، والعملاق بوليفيموس، والساحرة سيرسي التي تحول الرجال إلى خنازير، وكاليبسو التي تحتجزه في جزيرتها سنوات، والسيرينات اللواتي يغوين البحارة بأصواتهن، وسكيلّا وخاريبديس، الوحش والدوامة بينهما.</p><p class='article-text'>كل واحدة منها تختبر جانباً في شخصية أوديسيوس: رغبته، غروره، صبره، ذكاءه، وخوفه من النسيان. فالخطر الأكبر في «الأوديسة» لا يكون الموت دائمًا، بل أن ينسى الإنسان لماذا بدأ الرحلة أصلاً.</p><p class='article-text'><b>بطل معقد</b></p><p class='article-text'>أوديسيوس شجاع، وذكي، ومحب لعائلته، لكنه أيضاً مراوغ، كاذب أحيانًا، وفخور بنفسه إلى حد يوقعه في الخطر. هذا التعقيد هو ما جعل شخصيته تعيش قرابة 3 آلاف عام، فنحن لا نتابعه لأنه كامل، بل لأنه يشبه البشر في ضعفهم وقدرتهم على النجاة.</p><p class='article-text'>في نهاية الملحمة، يعود أوديسيوس إلى إيثاكا متخفيًا في هيئة متسول. يلتقي ابنه، ثم يدخل قصره حيث تجمع الخُطّاب. تثبت بينيلوبي هويته ثم يستعيد بيته بعد مواجهة عنيفة.</p>

دليل سريع إلى The Odyssey

قبل مشاهدة «الأوديسة».. ما الذي يجب أن تعرفه عن رحلة أوديسيوس؟

<p class='article-text'><div data-empty="false">في الدراما القصيرة الصينية، كان كل شيء سريعًا أصلًا: الحلقة، اللقطة، الحب، الخيانة، الانتقام، الصعود من الفقر إلى الثراء، والصفعة التي تأتي قبل نهاية الدقيقة كي يضغط المشاهد على الحلقة التالية. لكن السرعة التي صنعت هذه الصناعة هي نفسها التي فتحت الباب أمام شيء أسرع منها: الذكاء الاصطناعي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">كانت الدراما القصيرة، أو «الميكرو دراما»، حلمًا صغيرًا لممثلين كثيرين. ليست سينما كبرى، ولا مسلسلًا من عشرات الحلقات على شاشة وطنية، لكنها عمل. كاميرا، موقع تصوير، أجر يومي، فرصة ظهور، وربما شهرة مفاجئة على شاشة هاتف. في مدن صينية عدة، نشأت حول هذه الدراما مصانع صغيرة من البشر: ممثلون، مخرجون، كتّاب، مصورون، فنيو إضاءة، مصممو أزياء، محررون، ومسوقون يعرفون كيف يصنعون مشهدًا لا يتجاوز دقيقة لكنه يترك إصبع المشاهد عاجزًا عن التوقف، ثم جاءت الآلة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false"><b>انقلاب لا تعديل</b></div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">بحسب «تشانل نيوز آسيا»، أكثر من 95% من الأعمال الدرامية القصيرة" الجديدة في الصين خلال الربع الأول من 2026 كانت مولّدة بالذكاء الاصطناعي، بعدما كانت النسبة قريبة من الصفر قبل عام واحد فقط. هذا ليس تحولًا تدريجيًا، بل انقلاب إنتاجي كامل. ما كان يحتاج إلى طاقم عمل، ومواقع تصوير، وأيام أو أسابيع من الجهد، صار يمكن توليده خلال أيام، وأحيانًا ساعات، وبكلفة أقل بكثير.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">هنا لا نتحدث عن تقنية تُضاف إلى الصناعة، بل عن تقنية تُعيد تعريف من يحق له أن يكون داخل الصناعة أصلًا.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false"><b>ممثل يبيع الخضار</b></div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">القصة الأكثر إيلامًا جاءت من الممثل الصيني شو بنغ. كان واحدًا من وجوه الدراما القصيرة، واشتهر بأدوار الرئيس التنفيذي المتسلط، ذلك الرجل الثري البارد الذي تحبه الخوارزمية لأنه يناسب وصفات الميلودراما السريعة: سلطة، مال، كبرياء، ثم انكسار عاطفي في النهاية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">عمل شو بنغ في هذه الصناعة بقسوة. تشير تقارير إلى أنه كان يصور أحيانًا 15 ساعة يوميًا. ثم، فجأة، بدأت الأدوار تجف. ومع صعود الدراما المولدة بالذكاء الاصطناعي، عاد إلى قريته في شاندونغ، وظهر وهو يساعد في بيع الخضار في سوق محلي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false"><b>مصنع القصص</b></div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الدراما القصيرة الصينية ليست هامشًا صغيرًا. إنها صناعة ضخمة ومرئية ومغرية، مصنوعة للهاتف قبل أن تُصنع للتلفزيون. حلقات عمودية، مدتها دقيقة أو دقيقتان، حبكات مشحونة، نهايات معلقة، ومشاهد مصممة كي تُستهلك في المترو، بين عملين، قبل النوم، أو أثناء انتظار القهوة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وقد تحولت إلى اقتصاد كامل، فتشير تقديرات منشورة تضع قيمة الصناعة عالميًا عند نحو 11 مليار دولار في 2025، مع توقعات بارتفاعها إلى 14 مليار دولار في 2026، بينما تشير تقديرات أخرى إلى أن السوق الصينية نفسها قد تصل إلى ما يقارب 16.5 مليار دولار بحلول 2030.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false"><b>عناوين يومية</b></div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">تقول تقارير تقنية إن الصين شهدت في يناير 2026 إنتاج نحو 470 عنوانًا من الدراما القصيرة المولدة بالذكاء الاصطناعي يوميًا، وإن منصة «دوين»، النسخة الصينية من «تيك توك»، شهدت في مارس وصول نحو 50 ألف حلقة مولدة بالذكاء الاصطناعي في شهر واحد. كما تشير تقديرات إلى أن أدوات الذكاء الاصطناعي خفّضت تكاليف الإنتاج بنحو 90% في بعض النماذج.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتعد هذه أرقام استبدال، فكل يوم أرخص يعني يوم عمل أقل لممثل، وكل مشهد مولد يعني وجهًا بشريًا لم يُستدعَ إلى التصوير.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وترى الصين في الدراما القصيرة مجالًا ثقافيًا وصناعيًا قابلًا للتوجيه والتمويل، حيث تشير تقارير عن «ساوث تشاينا مورنينغ بوست» ووسائل أخرى تحدثت عن دعم حكومي ومراكز إنتاج ومبادرات لتحويل هذا القطاع إلى صناعة أكثر تنظيمًا وجودة وقابلية للتصدير. </div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">لكن كلما صارت الصناعة أنظف على الورق، ازدادت خشونتها على العاملين الصغار. في النسخة البشرية من الدراما القصيرة، كان هناك فوضى، نعم، وساعات طويلة، وأجور غير مستقرة، وسيناريوهات رديئة أحيانًا، لكنها كانت تمنح فرصًا. أما في النسخة الاصطناعية، فالفوضى تُنظّم، لكن البشر يخرجون من المعادلة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false"><b>دراما بلا روح؟</b></div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">اشتكى بعض المشاهدين من برودة الوجوه الاصطناعية، ومن التكرار، ومن الشعور بأن الشخصيات تتحرك بلا روح. وهناك مفارقة واضحة: الدراما القصيرة تعتمد أساسًا على المبالغة العاطفية، على الدموع والانتقام والغيرة والخذلان. فإذا أُخذ الإنسان منها، ماذا يبقى؟</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">قد تستطيع الآلة توليد دمعة، لكنها لا تعرف لماذا تسقط. قد تصنع وجهًا منكسرًا، لكنها لا تعرف معنى الانكسار. وقد تنتج مشهد اعتراف، لكنها لا تحمل قلبًا يرتجف قبل الجملة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">القصة الصينية مهمة لأنها قد تكون بروفة عالمية. ما يحدث في الدراما القصيرة اليوم قد يحدث غدًا في الإعلانات، والفيديوهات التعليمية، والمحتوى المؤسسي، والمشاهد الخلفية في السينما، وربما في أجزاء من التلفزيون. يبدأ الأمر دائمًا بالقول: سنستخدم الذكاء الاصطناعي في الأعمال البسيطة فقط. ثم تتوسع الأعمال البسيطة حتى تبتلع رزق كثيرين.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ليست القضية أن نرفض الذكاء الاصطناعي كله. قد يساعد في الترجمة، والتلوين، والمؤثرات، وتخفيض الكلفة على صناع مستقلين، وفتح باب إنتاج لمن لا يستطيعون دخول الاستوديوهات. لكن السؤال هو: هل يستخدم كي يمنح البشر أدوات، أم كي يخرجهم من الصورة؟ هل يفتح فرصًا جديدة، أم يحول الفن إلى خط إنتاج بلا وجوه؟ هل يوسّع الخيال، أم يستبدل الخيال بقوالب لا تنتهي؟</div></p>

حين يبيع الممثل الخضار

95 % من الدراما القصيرة في الصين مولدة بالذكاء الاصطناعي

<p class='article-text'><div data-empty="false">بعد مرور أكثر من قرن على غرقها، سجلت سفينة "آر إم إس تيتانيك" عودة رمزية إلى ميناء نيويورك يوم السبت، ضمن احتفالات الذكرى المائتين والخمسين لتأسيس الولايات المتحدة الأمريكية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وشكّل أسطول يضم نحو 1500 طائرة مسيرة (درون) مجسماً مضيئاً بالحجم الطبيعي للسفينة المنكوبة، حيث توهجت أضواؤها في سماء الليل بجوار تمثال الحرية. وجاء هذا العرض، الذي أُطلق عليه اسم "العودة إلى الديار"، تجسيداً للوجهة التي كان من المفترض أن تصل إليها السفينة عام 1912، والتي لم تبلغها قط إثر اصطدامها بجبل جليدي في شمال المحيط الأطلسي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتزامن عرض الطائرات المسيرة مع فعاليات أوسع نطاقاً حملت اسم "سيل فورث 250"، والتي شهدت مشاركة عشرات السفن الشراعية الضخمة من أكثر من 20 دولة، إلى جانب سفن بحرية، وعروض تحليق للطائرات العسكرية، بما في ذلك فريق "بلو أنجلز". ووصف المنظمون هذا التجمع البحري، الذي استمر لعدة أيام، بأنه أحد أكبر الأساطيل البحرية في أوقات السلم في تاريخ الولايات المتحدة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وجاء عرض سفينة "تيتانيك" بتنظيم من مؤسسة "تيتانيك نيويورك"، وهي جهة تخطط لإقامة معرض دائم لتجربة سفينة "تيتانيك" في مدينة نيويورك. ووصف مستخدمو منصات التواصل الاجتماعي هذا الظهور المضيء بأنه يحمل جمالاً ساحراً ومخيفاً في آنٍ واحد، كونه يستحضر المأساة التي أودت بحياة أكثر من 1500 شخص.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولم تُسجل أي إصابات أو مشكلات فنية خلال عرض الطائرات المسيرة. ورغم عدم كشف المسؤولين عن التفاصيل التقنية الكاملة، إلا أن مثل هذه العروض الضخمة بالطائرات المسيرة أصبحت شائعة بشكل متزايد في الاحتفالات الوطنية الكبرى.</div></p>

تايتانيك تعود إلى نيويورك

<p class='article-text'><div data-empty="false">تحت رعاية صاحب السمو الشيخ حمد بن محمد الشرقي، عضو المجلس الأعلى حاكم الفجيرة، ودعم واهتمام سمو الشيخ محمد بن حمد بن محمد الشرقي، ولي عهد الفجيرة، عقدت اللجنة العليا المنظمة لمهرجان الفجيرة الدولي للمونودراما اجتماعها الأول برئاسة محمد سعيد الضنحاني، مدير الديوان الأميري رئيس المهرجان، ضمن التحضيرات لإطلاق دورته الجديدة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ومن المقرر أن تنطلق فعاليات مهرجان الفجيرة الدولي للمونودراما في 27 مارس وتستمر لغاية 2 أبريل.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأعلنت اللجنة العليا إطلاق مسابقة العروض المسرحية ومسابقة النصوص العربية للتأليف المسرحي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ورصدت إدارة المهرجان جوائز مجزية للعروض الثلاثة الأولى المتكاملة، بحيث يحصل العرض الأول على خمسين ألف درهم، والعرض الثاني على ثلاثين ألف درهم، والعرض الثالث على عشرين ألف درهم، فيما سيكافئ أفضل ممثل مسرحي بالدورة بجائزة منفصلة تبلغ خمسين ألف درهم، بحيث تعتبر هذه الجوائز الأضخم دولياً ضمن مسابقات عروض الممثل الواحد.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">كما ستقدم جوائز أخرى لمسابقة أفضل النصوص المسرحية، حيث سيتم العمل على تسلم المشاركات ابتداء من 1 يوليو المقبل وحتى نهاية شهر سبتمبر 2026.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويمكن للمشاركين إرفاق مشاركاتهم عبر الموقع الإلكتروني https://fimf.ae/.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأكد الضنحاني أن مهرجان الفجيرة الدولي للمونودراما يمثل علامة مضيئة في المشهد الثقافي، ومنصة رفيعة تُعلي من شأن الفن المسرحي وتعزز حضوره على المستويين العربي والدولي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">واستطاع المهرجان عبر مسيرته الممتدة أن يرسّخ مكانته كفضاء إبداعي يحتفي بالتجارب المسرحية المتفردة، ويستقطب طاقات فنية من مختلف أنحاء العالم، في تلاقٍ ثقافي يعكس عمق الحوار الإنساني الذي يتيحه المسرح.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">واعتمدت اللجنة العليا المنظمة للمهرجان جميع الترتيبات اللازمة لتنظيم مؤتمر صحفي للإعلان عن تفاصيل الجوائز ومعاييرها وشروطها وضوابط المشاركة فيها.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويُشكّل المهرجان منصة ثقافية وفنية محفّزة على تقديم أعمال مسرحية متميزة، في أحد أكثر أشكال الفن المسرحي تحدياً وتعقيداً، حيث يتيح مساحة رحبة للتجريب والإبداع الفردي، ويعزز حضور هذا اللون المسرحي القائم على الأداء الأحادي الذي يتطلب مهارات عالية في التعبير والإقناع والتجسيد، كما يسهم في اكتشاف طاقات فنية جديدة، ودعم التجارب الجريئة، وتبادل الخبرات بين المبدعين من مختلف المدارس المسرحية، بما يرسّخ مكانته كملتقى دولي رائد في هذا المجال.</div></p>

مهرجان الفجيرة الدولي للمونودراما يطلق مسابقات وجوائز كبرى للعروض الفردية

<p class='article-text'><div data-empty="true"><br></div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">لم تشفع الميزانية الضخمة والحملات التسويقية لفيلم  ‏MASTERS OF THE UNIVERSE‏ في أن يكون أحد المنافسين الكبار ‏في شباك التذاكر الأمريكي والعالمي، على الرغم من حصوله على تقييم جماهيري جيد جداً وصل إلى نحو 86% على موقع ‏ROTTEN TOMATOES، مقابل تقييم نقدي مقبول بلغ نحو 68‏‎%‎‏.‏</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">هذه النتيجة دفعت الكثيرين إلى طرح التسأولات حول ما يسمى بأفلام وشخصيات النوستالجيا، وتحديدا تلك التي شكلت جزءا كبيراً ‏من طفولة جيل الثمانينيات والتسعينيات، واستطاعت شخصياتها جذب الجيل الحالي، أو ما يعرف بـ ‏GEN Z‏.‏</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">تعد شخصية ‏HE-MAN‏ واحدة من أبرز أيقونات الثمانينيات، ليس فقط من الناحية الفنية، بل أيضاً من الناحية التجارية. فالقصة بدأت ‏من شركة ‏MATTEL، التي أرادت استعادة حضورها في سوق الألعاب بعد أن وجدت نفسها خارج طفرة ألعاب ‏STAR WARS، ‏فبدأت تبحث عن ملكية خاصة تستطيع التحكم بها تجاريا وفنياً.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">لكن المشكلة أن الشخصية في بدايتها لم تكن تملك قصة متكاملة أو عالما دراميا واضحا، ومن هنا جاء التعاون مع شركة ‏FILMATION‏ لإنتاج مسلسل كرتوني عام 1983، كان هدفه المعلن الترفيه عن الأطفال، وفي الوقت ذاته تحويل الشخصيات إلى ‏منتجات مرغوبة على رفوف المتاجر.‏</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وهكذا تحوّل المنتج التجاري إلى ظاهرة تلفزيونية وثقافية، وأصبح ‏MASTERS OF THE UNIVERSE‏ مثالا صارخا على ‏كيفية دخول شركات الألعاب إلى وجدان الأطفال عبر بوابة مسلسلات الرسوم المتحركة والتي ميزت تلك الحقبة.‏</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وبعد مرور 43 عاما، حاول العمل السينمائي استخدام سياسة الحنين إلى الماضي لاستهداف الجيل الذي شاهد العمل في طفولته، ‏وكذلك الجيل الجديد الذي قد يملك فضولا تجاه الماضي. لكن النتيجة جاءت مخيبة.‏</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">تقارير الافتتاح أشارت إلى أن نسبة كبيرة من جمهور الفيلم كانت من الفئة الأكبر سناً، بينما لم يندفع الجيل الجديد بقوة نحو العمل، ‏لذلك لم يتحول إلى حدث جماهيري في موسم سينمائي صيفي ساخن، بل بدا أقرب إلى إعادة إحياء موجهة للمعجبين القدامى. كما وقع ‏العمل بين جمهورين لم يكن طفوليا بما يكفي ليجذب العائلات والأطفال بقوة، ولم يكن ناضجا أو مميزا بما يكفي ليجذب جمهور ‏الفانتازيا الكبير.‏</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">حاول البعض اتهام جيل زد بأنه لم يعد يهتم بما كان الجيل السابق يشاهده ويتابعه، لكن هذا الاتهام يفتقر إلى الدقة، فالجيل الحالي لا ‏يرفض النوستالجيا نفسها، بل يرفض أن تكون النوستالجيا وحدها هي الفكرة.‏</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">على سبيل المثال، ما زالت سلسلة ‏TOY STORY‏ تحظى بشعبية واسعة لدى مختلف الأعمار والأجيال، رغم أن جذورها تعود إلى ‏منتصف التسعينيات، لكن سر استمرارها أنها لم تتعامل مع الماضي باعتباره بطاقة عبور كافية بل مجرد بوابة للعبور للحاضر، ‏وأعادت تقديم نفسها في كل مرة من خلال قصة تلامس واقع الجمهور الجديد.‏</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وفي الجزء الجديد، استطاعت السلسلة أن تقترب من عالم الجيل الحالي عبر فكرة اصطدام الألعاب بعصر الشاشات والأجهزة الذكية، ‏فحافظت على قيمتها العاطفية والفنية، ونجحت في البقاء كعمل قادر على مخاطبة أكثر من جيل.‏</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">أما ‏MASTERS OF THE UNIVERSE، فحاول بيع نوستالجيا الثمانينيات لجمهور لم يعش تلك الحقبة، فجاءت الإجابة غير ‏المعلنة من الجيل الجديد: هذه ليست طفولتي!! ‏</div></p><h2>تغيير المسار</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">كان بالإمكان تقديم الشخصية بطريقة مختلفة وأكثر قربا من جيل اليوم، لو ركز صناع العمل على الصراع الداخلي للبطل ‏PRINCE ‎ADAM، لا على القوة الجسدية وحدها، عبر إظهاره كشخص ضائع بين آدم الضعيف أو الساذج في نظر الآخرين، وHE-MAN‏ ‏الرمز القوي الذي يتوقع الجميع منه إنقاذ العالم، هذا التناقض كان سيمنح الشخصية صراعا نفسيا وإنسانيا، بدلا من الاكتفاء ‏باستعراض القوة والانتصار على الشر.‏</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">فالجيل الجديد لم يعد ينجذب دائما إلى صورة البطل الكامل الذي لا ينكسر، بل أن الدراسات الحديثة حول تفضيلات جيل زد وجيل ألفا ‏تشير إلى ميل واضح نحو الأبطال الذين يملكون جانبا إنسانيا، يظهرون الضعف أحيانا، ويملكون ارتباطا عاطفيا، بل وقدرة على طلب ‏المساعدة، وهذا ما شاهدناه في أعمال كبرى مثل ثلاثية ‏THE DARK KNIGHT‏ للمخرج كريستوفر نولان، التي لم تقدم باتمان ‏كبطل خارق لا يقهر، بل كإنسان قابل للانكسار.‏</div></p><h2>الاستغلال الأنسب</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">يمكن القول إن عصر النوستالجيا لم ينته، لكن ما انتهى فعلا هو عصر النوستالجيا السهلة.‏</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">الجمهور لم يعد يدفع ثمن الذكرى وحدها، ولم يعد يكفي أن يعود اسم قديم إلى الشاشة حتى يتحول إلى نجاح تلقائي، ما يحتاجه صناع ‏السينما والتلفزيون هو خلطة مختلفة: فكرة جديدة، احترام للجمهور الكلاسيكي، وفي الوقت نفسه سبب عاطفي وشخصي يجعل الجيل ‏الجديد يهتم، فالنوستالجيا قد تفتح الباب، لكنها لا تستطيع وحدها أن تحمل عملا كاملا.‏</div></p>

MASTERS OF THE UNIVERSE‏.. هذه ليست طفولتي

<p class='article-text'><div data-empty="true"><br></div></p><p class='article-text'><div data-empty="true"><br></div></p><p class='article-text'><div data-empty="true"><br></div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">في العام 2023، تفاجأ الجميع بإعلان بوب إيجر، الرئيس التنفيذي لشركة (ديزني)، بأن هناك جزءاً خامساً لسلسلة (Toy Story)، مما أثار حالة من الفرح بعودة فيلم الطفولة، ولكن الخوف من أن هذه السلسلة يبدو أنها ستتعرض لما يسمى لدى السينمائيين وصناع المحتوى بـ(التمطيط) و(الاستغلال الاسمي) فقط لجني الأرباح المالية، إذ كانت الشركة تمر بمرحلة مالية حرجة تعرضت فيها أفلامها إلى هزة كبيرة في شباك التذاكر الأمريكي والعالمي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وكان الشغل الشاغل للجماهير هو التحدي الجديد الذي ستواجهه هذه الألعاب؛ ففي الجزء الثالث قام (آندي) بتسليم ألعابه إلى (بوني) التي تولت رعاية (Woody)، (Buzz)، و(Jessie)، حتى جاء الجزء الرابع ووضع مساراً مختلفاً لـ(Woody) الذي قرر خوض رحلته الخاصة والانفصال عن رفاقه الألعاب الأخرى، إلى أن بدأت الحملة الدعائية في 2024، وأظهرت أن العدو الجديد للألعاب التقليدية سيكون الأجهزة الذكية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعند مشاهدة الفيلم، يبدو أن اختيار الأجهزة الذكية كان صائباً للغاية، فقد أظهر العمل منذ البداية كيف كانت (بوني) تعاني من قلة الأصدقاء، والسبب احتفاظها بألعابها في زمن شهد لجوء الجيل الحالي إلى الأجهزة الذكية وتطبيقاتها، فكان الحل هو شراء جهاز يسمى (Lilypad) حتى تستطيع كسب الأصدقاء من خلاله وإظهار مدى اندماجها مع الجيل الجديد، إلا أنه في الوقت ذاته شكّل هاجساً كبيراً للألعاب، وبالتحديد (Jessie)، من أن مالكتهم سوف تتخلى عنهم للأبد.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولكن الفيلم، من خلال سرد هذه القصة، دق ناقوس الخطر؛ إذ يوحي العمل بأن الاعتماد المفرط على الأجهزة الذكية قد يحرم الأطفال من بعض جوانب الطفولة التقليدية، بالإضافة إلى غياب الرقابة الأسرية، وصولاً إلى التنمر الإلكتروني الذي دفع (بوني) إلى التخلي عن ألعابها رغماً عنها حتى تكون محبوبة ومرغوبة لدى أصدقائها الجدد.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">كذلك يتطرق الفيلم إلى ضعف التواصل الإنساني والمهارات الاجتماعية التي تراجعت للغاية لدى الجيل الجديد، الذي بات يعيش في جزر منعزلة بعيداً عن اللقاءات في إجازات نهاية الأسبوع، ويفضل التواصل عن بُعد عبر الأجهزة، وما لها من مخاطر لا تُحمد عقباها.</div></p><h2>خطة ذكية</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">ولكن علينا أيضاً قراءة ما بين السطور؛ فالألعاب التقليدية والشركات المنتجة لها تراجعت بشكل حاد مع هيمنة الأجهزة الذكية. فشركة (Mattel) عانت في شهر فبراير الماضي من تراجع ضخم في أسهمها وصل إلى 30% بسبب توقعات الأرباح الضعيفة المرتبطة بضعف سوق الألعاب التقليدي، أما (Hasbro) ففضلت التركيز على القطاع الرقمي الذي كان بمثابة طوق نجاة محققاً قفزات تاريخية وصلت إلى 45% العام الماضي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">يمكن أيضاً قراءة الفيلم كرسالة غير مباشرة تعيد التذكير بقيمة الألعاب التقليدية، وهو أمر قد يخدم مصالح ديزني التجارية في الوقت نفسه.</div></p><h2>جيسي البطلة</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">ومن الجانب الفني، العمل يستحق المشاهدة؛ إذ أن السلسلة لم تفقد بريقها الخلاب السحري، ولم تقع في فخ التكرار، بل إن اللعبة (Jessie)، بعد سنوات من تواجدها في السلسلة، نالت فرصتها بأن تكون هي النجمة المطلقة للعمل، الذي نال تفاعل الأطفال خلال مشاهدتي للفيلم، وأثبتت قدرتها على خطف الأضواء من الأبطال الأساسيين (Woody) و(Buzz).</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ورغم أن الفيلم يطرح قضية مهمة تتعلق بإدمان الأجهزة الذكية وتأثيرها على الأطفال، إلا أنه يقع أحياناً في تبسيط المشكلة عبر تصوير التكنولوجيا وكأنها الخصم الرئيسي في حياة الجيل الجديد، بينما الواقع أكثر تعقيداً من ذلك. فالمشكلة ليست في الأجهزة نفسها، بل في طريقة استخدامها وغياب التوازن والرقابة الأسرية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">كما يميل الفيلم في معظم أحداثه إلى تبني وجهة نظر الألعاب التقليدية، قبل أن يقدم في نهايته رؤية أكثر توازناً تؤكد إمكانية التعايش بين التكنولوجيا والعلاقات الإنسانية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ومن زاوية أخرى، يمكن اعتبار الفيلم انعكاساً لمخاوف صناعة الألعاب نفسها. فبينما يدافع العمل عن أهمية اللعب التقليدي والتفاعل الإنساني المباشر، فإنه في الوقت ذاته يخدم بصورة غير مباشرة الشركات التي تعتمد على بيع الألعاب الفيزيائية في سوق يتجه بسرعة نحو المحتوى الرقمي والتطبيقات والألعاب الإلكترونية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">لذلك يمكن القول إن الفيلم نجح في إثارة نقاش مهم حول الطفولة في العصر الرقمي، فمن خلال الصراع بين الألعاب التقليدية والأجهزة الذكية، يطرح تساؤلات حول تأثير التكنولوجيا على الأطفال وعلاقاتهم الاجتماعية. ورغم أن العمل يبدأ بتصوير الأجهزة الذكية كتهديد لعالم الألعاب التقليدي، فإنه ينتهي برسالة أكثر توازناً، تؤكد أن المشكلة ليست في التكنولوجيا نفسها، بل في طريقة استخدامها. وفي النهاية، يذكرنا الفيلم بأن الصداقة والخيال والذكريات والتواصل الإنساني تبقى أشياء لا يمكن لأي شاشة أن تستبدلها بالكامل.</div></p>

Toy Story 5.. رؤية "عن قرب" لأزمة جيل يعيش "عن بعد"

<p class='article-text'>لم يعد الجدل حول المنصات محصوراً في القصص التي تعرضها، بل وصل إلى شكل الصورة نفسها. في السنوات الأخيرة، بدأ مشاهدون وصناع أفلام يستخدمون عبارة جديدة لوصف إحساس بصري متكرر في كثير من أعمال البث: "Netflix Lighting" أو "إضاءة نتفليكس".</p><p class='article-text'>المقصود ليس تقنية رسمية اخترعتها نتفليكس، ولا قاعدة مكتوبة تلتزم بها كل المسلسلات. إنها تسمية شعبية لأسلوب بصري صار مألوفاً في كثير من الإنتاجات الرقمية: إضاءة ناعمة، ظلال قليلة، تباين منخفض، وجوه واضحة دائماً، وصورة “نظيفة” إلى درجة أن بعض المشاهدين يصفونها بأنها مسطحة أو بلا روح.</p><p class='article-text'>بحسب المنصة الرائدة لنقد الأفلام والمسلسلات "نو فلم سكول"، ظهر النقاش بقوة مع أعمال مثل "سترينجر ثنقز"، حيث لاحظ بعض المتابعين أن الصورة تبدو أحياناً مضاءة أكثر مما ينبغي، وكأن كل زاوية في المشهد يجب أن تكون مرئية بوضوح. هذا لا يعني أن العمل بلا جهد بصري، بل يكشف تحوّلاً أوسع في طريقة صناعة الصورة لعصر المنصات.</p><p class='article-text'>في السينما التقليدية، كانت العتمة جزءاً من اللغة. الظل لا يخفي التفاصيل فقط، بل يصنع التوتر والغموض والعمق. وجه نصفه مضاء ونصفه غارق في الظلام يمكن أن يقول عن الشخصية أكثر مما تقوله جملة حوارية. أما في كثير من إنتاجات البث الحديثة، فالصورة تميل إلى أن تكون أكثر أماناً: كل شيء واضح، كل وجه مقروء، وكل مشهد صالح للعرض على شاشة تلفزيون كبيرة أو هاتف صغير أو جهاز لوحي في غرفة مضاءة.</p><p class='article-text'>"إضاءة نتفليكس" ليست مجرد ذوق جمالي، بل نتيجة لاقتصاد مشاهدة جديد. الجمهور لا يشاهد دائماً في صالة مظلمة كما في السينما. هناك من يشاهد على الهاتف في المترو، أو على اللابتوب في غرفة مضاءة، أو على التلفزيون بينما يتصفح هاتفه. لذلك صارت الصورة مطالبة بأن تكون مفهومة بسرعة، حتى في أسوأ ظروف المشاهدة.</p><p class='article-text'>هذا يفسر لماذا تميل المنصات إلى الصور ذات الإضاءة المتوازنة والتفاصيل الواضحة. الظلال العميقة قد تكون جميلة في قاعة سينما، لكنها قد تضيع على شاشة صغيرة أو في ضغط البث أو مع ضعف إعدادات الشاشة. لذلك تصبح الإضاءة "المسطحة" أو ذات بُعد واحد حلاً عملياً: أقل مخاطرة، أكثر وضوحاً، وأسهل في الانتقال بين الأجهزة.</p><p class='article-text'>لكن هذا الحل العملي يأتي بكلفة فنية. عندما تضيء كل شيء، قد تفقد الصورة سرّها. وعندما تقلل التباين، قد تقلل الإحساس بالمكان. وعندما تجعل كل مشهد مقروءاً فوراً، قد تحرم العين من متعة الاكتشاف. لهذا يشعر بعض المشاهدين أن كثيراً من الأعمال الحديثة تبدو متشابهة، حتى لو اختلفت قصصها وشخصياتها.</p><p class='article-text'>المشكلة ليست في أن الإضاءة الناعمة سيئة دائماً. على العكس، قد تكون خياراً جمالياً ناجحاً في أعمال كثيرة. المشكلة تبدأ عندما يتحول الوضوح إلى معيار وحيد، وحين تصبح الصورة مصممة أولاً لتكون "مناسبة للمنصة" لا مناسبة للحكاية. فمشهد رعب لا يحتاج إلى الإضاءة نفسها التي يحتاجها مسلسل عائلي، ومشهد غموض لا ينبغي أن يبدو مثل إعلان تجاري.</p><p class='article-text'>اللافت أن مصطلح "إضاءة نتفليكس" صار أيضاً جزءاً من نقد أوسع لما يحدث للسينما والتلفزيون في عصر الخوارزميات. فالمنصات لا تغيّر فقط ما نشاهده، بل كيف يبدو ما نشاهده. الصورة تُصنع أحياناً لتقاوم التشويش، وتناسب مختلف الشاشات، وتبقى واضحة في اللقطات الترويجية، وتعمل جيداً في المقاطع القصيرة المتداولة على وسائل التواصل.</p><p class='article-text'>لهذا تبدو بعض الأعمال وكأنها فقدت جرأة الظل. في الماضي، كان المخرج والمصور يثقان بأن المشاهد سيجلس وينتبه، وأن العتمة جزء من التجربة. اليوم، كثير من الصور تبدو كأنها تخشى أن يضيع المشاهد للحظة، أو أن يترك الحلقة إذا لم يفهم كل شيء فوراً.</p><p class='article-text'>ومع ذلك، ليس من العدل اختزال الأمر في اتهام واحد: "المنصات أفسدت الصورة". فالتكنولوجيا الرقمية منحت صناع الأفلام حرية هائلة، وفتحت المجال أمام إنتاجات ضخمة ومتنوعة. كما أن كثيراً من أعمال المنصات لا تزال تملك هوية بصرية قوية. لكن "إضاءة نتفليكس" تذكّرنا بأن كل تطور تقني يحمل معه ذوقاً جديداً، وأن هذا الذوق قد يتحول مع الوقت إلى قالب مكرر.</p><p class='article-text'>في النهاية، السؤال ليس: هل إضاءة نتفليكس جيدة أم سيئة؟ السؤال الأهم: هل تخدم القصة؟ إذا كان الوضوح ضرورياً، فليكن. وإذا كان الظل جزءاً من المعنى، فلا يجب التضحية به من أجل صورة آمنة. لأن السينما، في جوهرها، ليست فقط ما نراه بوضوح، بل أيضاً ما يتركه الضوء ناقصاً، وما يسمح للظلام أن يقوله.</p>

هل فقدت السينما "جرأة الظل"؟

حينما تُهزم الفنون أمام "إضاءة نتفليكس"

<p class='article-text'>لم يكن جيل Z، كما ظن كثيرون، جيلاً ضائعاً في الشاشات الصغيرة، ولا أسيراً كاملاً للتيك توك والبث السريع. كان فقط ينتظر فيلماً يشبهه، وطقساً يخصه، وتجربة لا يشعر معها أن السينما بقايا عادة قديمة. وحين وُجدت تلك التجربة، عاد إلى القاعات لا كضيف عابر، بل كقوة قادرة على تغيير اتجاه شباك التذاكر.</p><p class='article-text'><b>عودة الجمهور</b></p><p class='article-text'>تقول الأرقام إن الحكاية أكبر من انطباع عابر. فبحسب تقرير "Cinema United" عن قوة العروض السينمائية في 2025، زادت وتيرة حضور جيل Z إلى دور السينما بنسبة 25% خلال عام واحد، وهي أكبر زيادة بين الفئات العمرية.</p><p class='article-text'>ووفقاً لـ "TheWrap"، بلغ متوسط حضور جيل Z إلى السينما 6.1 مرات سنوياً، بعدما كان 4.9 مرات في العام السابق. كما أن 41% من جمهور هذا الجيل ذهبوا إلى السينما ست مرات أو أكثر، مقارنة بـ31% سابقاً. هذه ليست عودة خجولة، بل عادة تتشكل من جديد.</p><p class='article-text'><b>جيل مواظب</b></p><p class='article-text'>كانت الفكرة السائدة أن جمهور الشباب هجر القاعة إلى الأبد، وأنه اكتفى بالهاتف، والمنصة، والمقاطع القصيرة، غير أن الأرقام تكشف شيئاً آخر: جيل Z لا يرفض السينما، بل يرفض السينما التي لا تمنحه سبباً للخروج من البيت. هو لا يذهب لأي فيلم، ولا يشتري التذكرة بدافع الملل كما كان يحدث في زمن المراكز التجارية القديمة. إنه يذهب عندما يشعر أن الفيلم حدث، وأن المشاهدة جزء من حوار جماعي، وأن القاعة تمنحه شيئاً لا تمنحه الشاشة الفردية.</p><p class='article-text'><b>طقس اجتماعي</b></p><p class='article-text'>وكشفت دراسة "Fandango" لاتجاهات الذهاب إلى السينما في 2025، لا يرى جيل Z القاعة كمكان لمشاهدة فيلم فقط، بل كمناسبة اجتماعية. فبينما قال 44% من عموم المشاركين إنهم يذهبون إلى السينما هرباً من الروتين اليومي.</p><p class='article-text'>وهنا تكمن المفارقة الجميلة. الجيل الأكثر التصاقاً بالشاشة الصغيرة هو أيضاً الجيل الذي يعيد اكتشاف متعة الجلوس في الظلام مع آخرين. كأنه تعب من الفرجة المنفردة، ومن التعليق السريع، ومن مشاهدة كل شيء وحده، فعاد يبحث عن الضحكة الجماعية، والصرخة المشتركة، واللحظة التي يلتفت فيها الناس إلى بعضهم بعد انتهاء الفيلم وكأنهم خرجوا من حلم واحد.</p><p class='article-text'><b>منصة التسويق</b></p><p class='article-text'>تقول "فاندانقو" أيضاً إن وسائل التواصل أصبحت مدخل الجمهور إلى الأفلام، وإن يوتيوب وفيسبوك وإنستغرام من أهم مصادر اكتشاف الأفلام عموماً، بينما كان تيك توك المنصة الأكثر تأثيراً لدى جيل Z وهذا يفسر جانباً من التحول: الفيلم لم يعد يبدأ عند شباك التذاكر، بل يبدأ قبل ذلك بأيام أو أسابيع، في مقطع قصير، أو نقاش، أو ميم، أو مراجعة عفوية، أو مشهد يتداوله الجمهور حتى يتحول إلى دعوة مفتوحة.</p><p class='article-text'>جيل Z لا يكتفي بمشاهدة الإعلان الرسمي. هو يريد أن يرى كيف تفاعل الناس، ماذا قالوا بعد الخروج، ما اللحظة التي صرخوا عندها، وما العبارة التي تحولت إلى نكتة داخلية. لذلك أصبحت الدعاية، في بعض الأحيان، أقل شبهاً بالحملة المنظمة، وأكثر شبهاً بعدوى ثقافية تنتقل بين الأصدقاء.</p><p class='article-text'><b>قاعات جديدة</b></p><p class='article-text'>ولم تكن دور العرض بعيدة عن هذا التحول. فتشير بيانات "سينما يونايتد"، ان قطاع دور السينما في أمريكا الشمالية استثمر أكثر من 1.5 مليار دولار في تطوير القاعات خلال عام واحد، كما ارتفعت عضويات برامج الولاء بنسبة 15%، ووصل عدد أعضاء هذه البرامج إلى 136 مليوناً. هذه الأرقام تقول إن القاعة نفسها تحاول أن تتغير: مقاعد أفضل، صوت أقوى، صور أضخم، أطعمة أكثر تنوعاً، وتجربة أقرب إلى الخروج الاجتماعي منها إلى المشاهدة البسيطة.</p><p class='article-text'>ولذلك لا يعود جيل Z إلى السينما لأنها عادة قديمة، بل لأنها أصبحت حين تُحسن تقديم نفسها تجربة نادرة في زمن الوفرة الرقمية. في البيت يستطيع أن يشاهد كل شيء، لكنه في القاعة يشعر أنه حضر شيئاً لا يمكن إعادته بالطريقة نفسها.</p><p class='article-text'><b>درس هوليوود</b></p><p class='article-text'>الدرس الذي ينبغي لهوليوود أن تسمعه جيداً أن جيل Z لا يعادي السينما، بل يعادي التكرار. لا يرفض القاعة، بل يرفض أن يدفع ثمن تجربة باردة. لا ينفر من الأفلام الطويلة أو الصعبة كما يقال أحياناً، لكنه يريد أن يشعر بأن الفيلم يستحق وقته، وأن هناك طاقة اجتماعية حوله، وأن خروجه إلى القاعة جزء من حدث لا مجرد استهلاك.</p><p class='article-text'>هذا الجيل يمكن أن يذهب إلى فيلم رعب مولود من يوتيوب، أو أنمي يملك قاعدة جماهيرية واسعة، أو لعبة تحولت إلى فيلم، أو عمل فني كبير يفرض نفسه بالنقاش. هو جيل واسع الذائقة، لكنه شديد الحساسية للزيف. يعرف متى تحاول الصناعة مخاطبته بلهجة مصطنعة، ويعرف متى يكون الفيلم صادراً من عالمه فعلاً.</p>

من تيك توك إلى شباك التذاكر

جيل الإنترنت يوقظ السينما

<p class='article-text'>لم تعد هوليوود تلك القلعة البعيدة التي لا يدخلها إلا من وقف طويلاً على أبواب الاستوديوهات، يحمل ملفاً وسيرةً ورسالة توصية. لقد تغيّر الطريق، وربما تغيّر الحلم نفسه. صار المخرج الجديد لا يأتي دائماً من مدرسة سينما عريقة، ولا من مساعدات طويلة في مواقع التصوير، بل من يوتيوب، ومن غرفة صغيرة، ومن شاشة مضاءة في آخر الليل، ومن فكرة غريبة علقت في خيال الملايين.</p><p class='article-text'>هذا ما يحدث اليوم مع جيل Z، الجيل الذي لم ينتظر إذناً من أحد كي يصنع صورته. جيل تعلّم أن يجرّب أمام الجمهور، وأن يخطئ علناً، وأن يحوّل التعليقات إلى مختبر، والمشاهدة إلى اختبار، والانتشار الرقمي إلى بطاقة دخول نحو السينما الكبرى.</p><p class='article-text'>في صدارة هذا المشهد يقف كين بارسونز، ابن العشرين عاماً، الذي تحوّلت سلسلته الفيروسية على يوتيوب "Backrooms" إلى فيلم سينمائي بميزانية بلغت نحو 10 ملايين دولار. الرقم في ذاته ليس ضخماً بمقاييس هوليوود، لكنه صار كبيراً حين اصطدم بشباك التذاكر. فقد حقق الفيلم 81 مليون دولار في افتتاحه المحلي داخل الولايات المتحدة، وبلغ 118 مليون دولار عالمياً، ليصبح أكبر افتتاح لشركة A24 خلال تاريخها الممتد لأربعة عشر عاماً.</p><p class='article-text'>المفارقة هنا ليست مالية فقط، بل عمرية أيضاً. فبارسونز أصبح، بحسب ما ورد في "ذا انسنايدر"، أصغر مخرج يتصدر شباك التذاكر المحلي، متجاوزاً الرقم الذي كان يحمله جوش ترانك عندما تصدر بفيلم "Chronicle" عام 2012 وكان عمره 27 عاماً. أما بارسونز، فقد فعلها وهو في العشرين، بعدما كان جيمس وان قد تواصل معه بشأن فيلم "Backrooms" حين كان لا يزال في المرحلة الثانوية.</p><p class='article-text'>كأن هوليوود، التي ظلت طويلاً تبحث عن الجيل القادم داخل المكاتب والاجتماعات، وجدته فجأة في مكان آخر: في ممرات اليوتيوب، وبين مقاطع الرعب القصيرة، وفي خيال شاب كان يصنع عالماً كاملاً قبل أن تمنحه الصناعة بطاقتها الرسمية.</p><p class='article-text'>ولم يكن بارسونز وحده. فهناك أيضاً كاري باركر، صاحب فيلم "Obsession"، الذي صار بدوره علامة فارقة في هذا التحول. الفيلم، بحسب الأرقام الواردة، أُنتج بميزانية صغيرة جداً بلغت 750 ألف دولار فقط، لكنه تجاوز 150 مليون دولار عالمياً، مع توقعات بأن يتجه نحو 250 مليون دولار. وإذا تحقق ذلك، فسيصبح واحداً من أكثر الأفلام ربحية في التاريخ قياساً إلى كل دولار أُنفق عليه.</p><p class='article-text'>هذه الأرقام لا تروي قصة نجاح عادية. إنها تكاد تكون صفعة ناعمة على وجه الصناعة التقليدية. فيلم لا تبلغ ميزانيته مليون دولار، ثم يزاحم إنتاجات ضخمة، ويتحوّل إلى ظاهرة جماهيرية، ويثبت أن الخيال حين يصيب موضعه في نفس الجمهور، لا يحتاج دائماً إلى جبل من المال كي يبلغ القمة.</p><p class='article-text'>الأشد لفتاً أن "Obsession" أصبح أول فيلم منذ عام 1982 يحقق زيادة في إيراداته خلال عطلة نهاية الأسبوع الثانية والثالثة خارج موسم أعياد الميلاد. وهذا أمر نادر في زمن تسقط فيه كثير من الأفلام سريعاً بعد أسبوعها الأول. عادةً يأتي الجمهور أولاً بدافع الفضول، ثم يخف الوهج. أما هنا فحدث العكس: ازداد الفضول، واتسعت الدائرة، وتحول الفيلم من عرض إلى حديث، ومن حديث إلى ظاهرة.</p><p class='article-text'>هذه ليست مجرد مصادفة. إنها إشارة إلى أن جمهوراً جديداً صار يملك قوة دفع حقيقية. فقد أظهرت الأرقام أن 88% من جمهور افتتاح "Backrooms" كان تحت سن 35 عاماً. وهذه النسبة وحدها تكفي لشرح التحول. نحن أمام جيل لا يكتفي بمشاهدة السينما، بل يعيد تعريف مصدرها وشكلها وإيقاعها. جيل يذهب إلى القاعة حاملاً ذاكرة الإنترنت معه، ويعرف مسبقاً رموز العمل، ونبرته، وأصله الرقمي.</p><p class='article-text'>ولذلك لم يكن غريباً أن يقول جيسون بلوم، الذي أنتج الفيلمين، إن يوتيوب أصبح "مكاناً جديداً للبحث عن الجيل القادم من المواهب الخارقة". العبارة تبدو بسيطة، لكنها تختصر انقلاباً كاملاً في منطق الصناعة. فالموهبة لم تعد تنتظر أن تُكتشف في غرفة اختبار أداء أو مهرجان صغير فقط، بل يمكن أن تُكتشف في قناة، أو سلسلة رقمية، أو مقطع يراه الملايين قبل أن تسمع به الاستوديوهات.</p><p class='article-text'>الرعب، تحديداً، كان الباب الأوسع لهذا الصعود. ربما لأنه النوع السينمائي الذي لا يحتاج دائماً إلى أموال طائلة بقدر ما يحتاج إلى فكرة نافذة. الخوف لا يُشترى بالميزانية، ولا يُصنع بالمؤثرات وحدها. الخوف الحقيقي يولد من شعور غامض، من مكان غير مريح، من صمت طويل، من ممر لا ينتهي، من إضاءة باردة، من إحساس بأن العالم الذي نعرفه فقد فجأة منطقه.</p><p class='article-text'>في "Backrooms"، لا يقوم الرعب على الوحش وحده، بل على التيه. على تلك الغرف الصفراء والممرات الفارغة التي تشبه مكاتب قديمة، أو ذاكرة رقمية متعفنة، أو حلماً رديئاً لا يستطيع صاحبه أن يستيقظ منه. إنه رعب جيل عاش طويلاً داخل الشاشات، ويعرف معنى أن يكون الإنسان محاطاً بالصور والفراغ في الوقت نفسه.</p><p class='article-text'>أما "Obsession"، فيبدو أقرب إلى رعب النفس. رعب التعلق، والرغبة، والدوران حول فكرة واحدة حتى تصبح سجناً. ومن هنا يأتي أثره؛ لأنه لا يخيف المشاهد من شيء خارجي فقط، بل يوقظ في داخله شيئاً يعرفه جيداً ولا يحب أن يسميه.</p><p class='article-text'>إن صعود مخرجي جيل Z لا يعني نهاية السينما القديمة، لكنه يعني أن السينما لم تعد تسير في طريق واحد. صار لها أبواب جانبية كثيرة، بعضها مضاء بإضاءة يوتيوب، وبعضها يفتح على غرف غريبة لا نهاية لها. ومن تلك الأبواب يدخل اليوم مخرجون صغار في العمر، كبار في الأثر، يحملون معهم خوف جيلهم، وسرعته، وقلقه، وخياله.</p><p class='article-text'>ولعل أجمل ما في الأمر أن السينما، كلما ظن الناس أنها شاخت، وجدت من يعيد إليها شبابها. مرة جاءها ذلك من موجة مخرجين متمردين، ومرة من كاميرات مستقلة، واليوم يأتيها من أبناء الإنترنت. من الذين لم ينتظروا أن تصنعهم هوليوود، بل صنعوا أنفسهم حتى اضطرت هوليوود أن تنظر إليهم.</p>

مخرجو "جيل زد" يغزون هوليوود

<p class='article-text'>لم يعد السؤال في بعض أفلام الذكاء الاصطناعي الجديدة: أين صُوّر المشهد؟ بل: كم مرة وُلد داخل الخوادم قبل أن يستقر على الشاشة؟</p><p class='article-text'>فيلم «هيل غرايند» يفتح هذا السؤال بقوة. فبحسب صحيفة «وول ستريت جورنال»، بلغت تكلفة الفيلم نحو 500 ألف دولار، ذهب منها قرابة 400 ألف دولار إلى تكاليف الحوسبة الخاصة بالذكاء الاصطناعي، أي نحو 80% من الميزانية. الفيلم مدته 95 دقيقة، وأنتجته شركة «هيغزفيلد إيه آي» في نحو أسبوعين.</p><h2>تكلفة خفية</h2><p class='article-text'>كان كثيرون يظنون أن الذكاء الاصطناعي سيجعل صناعة الأفلام أرخص فوراً، لأنه قد يقلل الحاجة إلى مواقع تصوير ضخمة أو فرق مؤثرات بصرية كبيرة. لكن «هيل غرايند» يكشف وجهاً آخر للتقنية: ما لا يُدفع للكاميرا والموقع والممثل قد يُدفع للخوادم ووحدات المعالجة وتكرار التجارب.</p><p class='article-text'>فالذكاء الاصطناعي لا ينتج الصورة من العدم. كل لقطة تحتاج إلى توليد وتجريب وتعديل وإعادة توليد، حتى تصل إلى الشكل المطلوب.</p><p class='article-text'>ووفقاً لتقرير «وول ستريت جورنال»، احتاجت أول 25 دقيقة من الفيلم وحدها إلى أكثر من 16 ألف توليد فيديو لإنتاج 253 لقطة نهائية. كما اعتمد الفريق على أوامر نصية طويلة قد تصل إلى نحو 3000 كلمة لكل 15 ثانية من اللقطات، للحفاظ على اتساق الشخصيات والإضاءة وحركة الكاميرا.</p><h2>حرفة جديدة</h2><p class='article-text'>ما يميز «هيل غرايند» ليس قصته فقط، بل طريقة صناعته. الفيلم، كما تصفه التقارير، عمل أكشن وخيال علمي مولّد بالكامل بالذكاء الاصطناعي، من الشخصيات إلى المواقع والعناصر البصرية. لكنه رغم ذلك لم يكن نتاج ضغطة زر واحدة، بل احتاج إلى فريق يعرف اللغة السينمائية: تكوين الكادر، تتابع اللقطات، الإضاءة، الإيقاع، وحركة الكاميرا.</p><p class='article-text'>وهنا تظهر المفارقة: الذكاء الاصطناعي قد يغيّر أدوات الصناعة، لكنه لا يلغي الحاجة إلى الخيال البشري. بل ربما ينقل الحرفة من حمل الكاميرا إلى توجيه النموذج، ومن بناء الديكور إلى وصفه بدقة، ومن انتظار التصوير إلى اختبار آلاف الاحتمالات البصرية.</p><h2>اقتصاد جديد</h2><p class='article-text'>في السينما التقليدية، تُقاس الميزانية غالباً بعدد أيام التصوير، وأجور الممثلين، واستئجار المواقع، والمعدات، وفرق المؤثرات. أما هنا، فتظهر ميزانية جديدة تعتمد على عدد مرات التوليد، وقوة الخوادم، وتكلفة المعالجات، والزمن الحاسوبي.</p><p class='article-text'>ولهذا تبدو الـ400 ألف دولار في «هيل غرايند» رقماً كاشفاً لا مجرد تفصيل مالي. إنها تقول إن الذكاء الاصطناعي لا يجعل الإنتاج مجانياً، بل ينقل مركز التكلفة من العالم المادي إلى البنية الرقمية.</p><h2>خوف مهني</h2><p class='article-text'>طبيعي أن يثير ذلك قلقاً داخل هوليوود. فبعد إضرابات الكتّاب والممثلين، لم يعد الذكاء الاصطناعي موضوعاً تقنياً بعيداً، بل سؤالاً مباشراً عن الوظائف والملكية والوجوه والأصوات والأساليب الفنية.</p><p class='article-text'>لكن «هيل غرايند» يوضح أيضاً أن التقنية لم تصل بعد إلى مرحلة الاستغناء الكامل عن البشر. فهي تحتاج إلى من يكتب، ويختار، ويصحح، ويرفض، ويعيد المحاولة. الفرق أن دور الإنسان يتحول من منفذ مباشر لكل جزء من الصورة إلى مدير احتمالات هائلة تولدها الآلة.</p><h2>معنى بشري</h2><p class='article-text'>قد تستطيع الخوارزمية أن تنتج شارعاً مظلماً أو معركة خيالية أو وجهاً غير موجود، لكنها لا تعرف لماذا يجب أن نهتم. لا تعرف الحنين، ولا الخوف، ولا الإحساس الذي يجعل لقطة واحدة تبقى في الذاكرة.</p><p class='article-text'>ولهذا فإن السؤال الحقيقي ليس: هل يستطيع الذكاء الاصطناعي صناعة فيلم؟. السؤال الأعمق هو: هل يستطيع أن يصنع فيلماً نؤمن به عاطفياً؟</p><h2>مرحلة جديدة</h2><p class='article-text'>«هيل غرايند» ليس نهاية السينما التقليدية، ولا دليلاً على أن المخرجين والممثلين انتهوا. لكنه إشارة مبكرة إلى أن الصناعة تدخل مرحلة يصبح فيها الخادم جزءاً من طاقم العمل، وتصبح الحوسبة بنداً أساسياً في الميزانية، وتصبح الأوامر النصية الطويلة نوعاً جديداً من كتابة المشهد.</p>

كيف أصبحت قوة الحوسبة أغلى من الكاميرات والممثلين في عصر السينما الجديدة؟

فيلم بـ500 ألف دولار.. 400 ألف منها ذهبت للذكاء الاصطناعي

<p class='article-text'><div data-empty="false"> شارك مكتب دبي للأفلام والألعاب الإلكترونية في الدورة التاسعة والسبعين من مهرجان «كان» السينمائي، التي انطلقت 12 مايو الجاري وتستمر حتى 23 منه، في مدينة كان الفرنسية، في خطوة تعيد دبي إلى هذا الحدث العالمي، ضمن جهود أوسع لتعزيز تفاعلها مع صناعة السينما الدولية، وترسيخ مكانتها ضمن خريطة الإنتاج العالمية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتعكس هذه المشاركة تركيز المكتب المستمر على بناء علاقات طويلة الأمد مع الاستوديوهات العالمية والمنتجين ومختلف الأطراف الفاعلة في القطاع، إلى جانب تسليط الضوء على القدرات المتنامية لدبي في مجالات الإنتاج، والبنية التحتية، والمواهب السينمائية، ضمن منظومة الصناعات الإبداعية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويترأس وفد مكتب دبي للأفلام والألعاب الإلكترونية المشارك في المهرجان، هشام سلطان العلماء المدير التنفيذي للمكتب، حيث عقد الوفد سلسلة من اللقاءات مع نخبة من أبرز الجهات العالمية في قطاع السينما، والزيارات لاستكشاف فرص التعاون والإنتاج المشترك وتبادل الخبرات، إلى جانب استعراض إمكانات دبي في مجالات خدمات الإنتاج، والبنية التحتية، والخدمات اللوجستية، وتطوير المواهب.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتأتي مشاركة دبي في مهرجان «كان» في وقت تواصل فيه الإمارة تنفيذ رؤيتها الشاملة لتطوير قطاع السينما، من خلال تعزيز التنسيق بين الجهات المعنية، وتطوير البنية التحتية، وإطلاق مبادرات لتنمية المواهب، وتوسيع نطاق التعاون الدولي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وقال هشام سلطان العلماء المدير التنفيذي لمكتب دبي للأفلام والألعاب الإلكترونية: «تمثل عودة دبي إلى مهرجان «كان»، مرحلة جديدة في تفاعلنا مع صناعة السينما العالمية، وتعكس رؤيتنا طويلة الأمد، لترسيخ مكانة الإمارة مركزاً عالمياً رائداً للإنتاج السينمائي».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأضاف: «يُعد مهرجان «كان» أحد أهم المنصات العالمية للحوار وبناء الشراكات وتبادل الخبرات الإبداعية في قطاع السينما. وتمثل مشاركتنا في فعالياته فرصة لتعزيز العلاقات مع شركائنا الدوليين، واستكشاف فرص تعاون نوعية، ضمن التعريف بصناعة السينما الإماراتية، ومواصلة ترسيخ مكانة دبي كوجهة قادرة على استقطاب الإنتاجات العالمية الطموحة، بما توفره من بنية تحتية متقدمة، وشبكة متكاملة من خبرات الإنتاج. ومع استمرار تطور الصناعة عالمياً، نركّز على دعم النمو طويل الأمد للقطاع، وتمكين المواهب الناشئة، وتهيئة بيئة تتيح ازدهار الفرص الإبداعية والتجارية».</div></p><h2>تطور ومقومات</h2><p class='article-text'><div data-empty="false">من جانبه، قال سامر حسين المرزوقي مدير إدارة الأفلام والإنتاج في مكتب دبي للأفلام والألعاب الإلكترونية: «تعكس مشاركة دبي في دورة هذا العام من مهرجان «كان» التطور الذي يشهده قطاع السينما في الإمارة، والاهتمام المتزايد الذي تحظى به من مختلف الجهات الفاعلة في صناعة الأفلام العالمية».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأضاف: «أتاح المهرجان فرصة مهمة لتعزيز التواصل مع الشركاء الاستراتيجيين الإقليميين والدوليين، واستعراض تطور المقومات التي توفرها دبي لصناعة السينما، بدءاً من منظومتها المتنامية، وبنيتها التحتية المتقدمة، وتنمية المواهب، وبناء الشراكات. كما شكّل المهرجان منصة للحوار حول مستقبل صناعة السينما الإقليمية والعالمية، والدور الذي يمكن أن تؤديه الوجهات العالمية للإنتاج السينمائي، مثل دبي، ضمن هذا المشهد، والأدوات المطلوبة لتطويرها. ونتطلع إلى البناء على هذه العلاقات، بما يدعم التنمية المستدامة للقطاع، ويعزز مكانة دبي على خريطة صناعة السينما العالمية».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وخلال السنوات الأخيرة، عززت دبي مكانتها كمركز متنامٍ للإنتاج السينمائي، حيث توفر لصنّاع الأفلام بنية تحتية عالمية المستوى، واتصالاً دولياً متقدماً، وخدمات إنتاج متطورة، وإجراءات تصاريح سلسة وسريعة، إلى جانب دعم حكومي متكامل. كما تتميز الإمارة بتنوع مواقع التصوير، التي تشمل المشاهد الحضرية الحديثة، والمناطق التاريخية، والشواطئ، والصحارى، والجبال.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتشكّل دبي قاعدة تشغيلية للعديد من المشاريع الإنتاجية التي يتم تنفيذها في منطقة الشرق الأوسط، حيث توفر وصولاً سريعاً إلى فرق العمل، وموردي المعدات، والاستوديوهات، وشبكات الخدمات اللوجستية، وخدمات دعم الإنتاج، في ظل تنسيق حكومي متكامل، يسهم في تسريع إجراءات التصوير والإنتاج. كما يواصل المكتب دراسة حوافز إضافية لتعزيز تنافسية دبي في استقطاب الإنتاجات العالمية الكبرى، بالتعاون مع الشركاء المحليين والعالميين.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ومن بين أبرز المشاريع الإنتاجية العالمية التي تم تنفيذها في دبي مؤخراً، أعمال لشركات ومنصات دولية، منها فيلم «جاك رايان» من «أمازون برايم فيديو»، والدراما الكورية «جيني، ميك أ ويش» من «نتفليكس»، وهو ما يعكس تنامي قدرة الإمارة على دعم إنتاجات كبرى عبر مختلف الأنماط والأسواق.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتنسجم هذه المشاركة مع الدور الذي يضطلع به مكتب دبي للأفلام والألعاب الإلكترونية، في دعم تطوير قطاعي السينما والألعاب الإلكترونية على المدى الطويل، من خلال بناء الشراكات، وتطوير المنظومة المتكاملة، وتعزيز الأطر التنظيمية، وتوسيع نطاق التعاون الدولي. ويُعد المكتب، الذي يعمل تحت مظلة مجلس دبي للإعلام، الجهة الرئيسة المعنية بتنظيم وتطوير قطاعي السينما والألعاب الإلكترونية في دبي.</div></p>

خلال مهرجان «كان» السينمائي

مكتب دبي للأفلام والألعاب الإلكترونية يسلّط الضوء على تنامي قدرات الإنتاج في دبي

<p class='article-text'>شارك صانع المحتوى أحمد النشيط، أحد أعضاء مقر المؤثرين، أول مقر للمؤثرين في الإمارات والشرق الأوسط، والذي ينضوي تحت مظلة مجموعة "فيجينيرز"، في النسخة العربية من فيلم الرسوم المتحركة الجديد "GOAT" الذي أنتجته الشركة العالمية "سوني إنيميشن"، حيث تم اختياره لأداء صوت شخصية "فرانك (فرج)، في خطوة تعزز مساهمة صناع المحتوى من العالم العربي والشرق الأوسط في رواية القصص العالمية.</p><p class='article-text'>وانطلق فيلم GOAT في صالات السينما بالمنطقة في 23 أبريل، وقد استضافت دبي العرض الرسمي الأول للفيلم باللغة العربية، بحضور نخبة من صناع المحتوى والمؤثرين والإعلاميين، ما يشكل علامة فارقة في مسيرة صناع المحتوى العرب.</p><p class='article-text'>وتعكس هذه الخطوة الدور المحوري الذي يلعبه مقر المؤثرين في تمكين صناع المحتوى المبدعين، وترسيخ مكانته كمنصة لانطلاقتهم من المنطقة إلى العالمية.</p><p class='article-text'>ويعتبر "مقر المؤثرين" حاضنة عالمية لرواد صناعة المحتوى والمؤثرين واقتصاد المحتوى من مختلف أنحاء العالم، ويساهم في تمكين صناع المحتوى من توسيع نطاق تأثيرهم، وتطوير مهاراتهم ونجاح تجاربهم، ويوفر لأعضائه ورش عمل وبرامج تدريب سنوية خاصة تناسب احتياجاتهم على أيدي خبراء ومؤثرين مبدعين وقادة بارزين من أهم الشركات والمنصات العالمية.</p><p class='article-text'>ويستهدف "مقر المؤثرين" استقطاب واحتضان المؤثرين وصناّع المحتوى على مواقع التواصل الاجتماعي ومنصات البث الرقمي، وصناع المحتوى الصوتي "البودكاست" والعاملين في الفنون البصرية، إضافةً إلى شركات الإعلان والتسويق والعلامات التجارية وإنتاج الوسائط والموسيقى والفنون، واستوديوهات الرسوم المتحركة، والعلامات التجارية للأزياء وأنماط الحياة.</p><p class='article-text'>ويسلط اختيار أحمد النشيط لأداء صوت شخصية "فرانك (فرج)" في النسخة العربية من فيلم الرسوم المتحركة الجديد "GOAT" الضوء على الفرص التي يمكن أن تتاح أمام صناع المحتوى والمؤثرين في المنطقة ليكونوا جزءاً أساسياً من صناعة الترفيه العالمية.</p><p class='article-text'>ويتطلع أحمد النشيط إلى أن تفتح هذه المحطة الباب أمامه للمشاركة في المزيد من الفعاليات، ومن بينها حلمه القديم بأداء صوت شخصية سبايدر مان في المستقبل.</p><p class='article-text'>وأحمد النشيط عضو في مقر المؤثرين، واشتهر بأعماله عبر قناته على اليوتيوب، ومحطات التلفزيون، ومحتوى الألعاب الإلكترونية، والأداء الصوتي، وقد تعاون مع كبرى العلامات التجارية العالمية بما في ذلك Disney وMarvel وLucasfilm وSony وغيرها، ويحظى بأكثر من 12 مليون متابع على مختلف منصات التواصل الاجتماعي.</p>

دبي تستضيف العرض الأول للنسخة العربية من فيلم الرسوم المتحركة "GOAT"

عضو في مقر المؤثرين يشارك في فيلم للرسوم المتحركة من إنتاج "سوني إنيميشن"

<p class='article-text'><br></p><p class='article-text'>ودّعت الساحة الفنية العربية، يوم الإثنين، أحد أعمدة الفن المصري الرصين، الفنان الكبير عبد الرحمن أبو زهرة، الذي رحل عن عالمنا عن عمر ناهز 92 عاماً. وجاءت وفاته بعد صراع مع أمراض الشيخوخة، حيث قضى أسابيعه الأخيرة تحت العناية الطبية الفائقة.</p><p class='article-text'>بكلمات تفيض بالحب والامتنان، نعى أحمد أبو زهرة والده عبر منصة "فيسبوك"، واصفاً إياه بأنه كان "السند والمعلم والقدوة". وأكد في رثائه أن والده لم يكن مجرد فنان، بل كان مناضلاً من أجل القيم؛ إذ تعلم منه أن الدين "معاملة" وأن كلمة الحق أمانة وصدق مهما كانت التحديات.</p><p class='article-text'>من جانبها، نعت وزيرة الثقافة جيهان زكي الراحل، واصفةً إياه بـ "الابن الأصيل للمسرح المصري". وأكدت الوزيرة أن رحيله يمثل خسارة فادحة للثقافة العربية، نظراً لموهبته الفريدة التي أثرت المسرح القومي بأعمال ستظل خالدة في ذاكرة الفن.</p><p class='article-text'>وُلد أبو زهرة في دمياط عام 1934، وانتقل إلى القاهرة ليبدأ مشواره من المسرح المدرسي الذي منحه أولى جوائزه. تخرج في المعهد العالي للفنون المسرحية ليصبح لاحقاً أحد رموز المسرح القومي، مقدماً عشرات الروائع المسرحية مثل:</p><p class='article-text'>"القضية" و "المحروسة". الفرافير"، "السبنسة"، و "حلاق بغداد"."لعبة السلطان" و "بلاد بره".</p><p class='article-text'>وتميز الراحل باهتمامه الكبير بالنشء، حيث شارك في برامج مثل "أجمل الزهور"، بالإضافة إلى أدائه الصوتي الشهير في النسخ العربية لأفلام ديزني العالمية.</p>

المسرح العربي يودع الفنان المصري عبد الرحمن أبو زهرة

جائزة الشيخ زايد للكتاب تنظم ثلاثة مؤتمرات فكرية في أعرق الجامعات الإيطالية

<p class='article-text'><div data-empty="false">أعلن مركز السينما العربية منح جائزة الإنجاز النقدي لهذا العام للناقد المصري طارق الشناوي والناقدة التركية ألين تاشجيان، تقديراً لمسيرتهما المهنية المميزة. ومن المقرر أن يتسلما الجائزة خلال حفل يُقام في سوق الأفلام ضمن الدورة الـ 79 من مهرجان كان السينمائي.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعلق ماهر دياب وعلاء كركوتي: «اختار مركز السينما العربية منح الجائزة إلى كل من الناقد طارق الشناوي الذي يُعد أحد أبرز القامات النقدية في العالم العربي وأقدم النقاد العرب حضوراً في المهرجانات الدولية، والناقدة التركية ألين تاشجيان التي تمتلك مسيرة دولية حافلة تمتد لثلاثة عقود تنوعت ما بين النقد والكتابة الصحفية والإنتاج التلفزيوني وتنظيم مهرجانات دولية والعمل عضواً في لجان تحكيم تلك المهرجانات، وخبرات مكنتها من رئاسة الاتحاد الدولي للنقاد».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وعن حصوله على الجائزة، قال طارق الشناوي: «بدأت رحلتي من شرفة منزلنا في حي السيدة زينب، التي كانت نافذتي الأولى على سحر السينما والموسيقى. واليوم، وبعد 34 عاماً من الحضور المتواصل في مهرجان كان السينمائي، أعتبر هذا التكريم من مركز السينما العربية لحظة تأمل فخورة في مسيرة تحولت فيها الشاشات من مجرد هواية إلى حياة كاملة عشتها بكل تفاصيلها».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وقالت ألين تاشجيان: «شغفي بالنقد السينمائي نابع من إيمان عميق بأن عشق السينما لا دواء له؛ فنحن كأدوات نقدية نسعى لفتح آفاق جديدة للمشاهد، وحماية الأفلام المنسية لنجد لها مكاناً مستحقاً في تاريخ الفن. واليوم، أؤكد أكثر من أي وقت مضى ضرورة وجود «نقد سينمائي نسوي» واعٍ بقضايا النوع الاجتماعي، ليواجه الصور النمطية ويسهم في بناء عالم أكثر عدالة وجمالاً من خلال الشاشة».</div></p>

مركز السينما العربية يمنح طارق الشناوي وألين تاشجيان «الإنجاز النقدي» 2026

<p class='article-text'><div data-empty="false">يضيء اللوفر أبوظبي على جوانب وسير قوة السينما العالمية، من خلال «ليالي كان السينمائية»، البرنامج، الذي أعد بعناية، ليقدم مجموعة أفلام متميزة، عرضت في مهرجان كان السينمائي في فرنسا. وتقام العروض في الفترة من 12 إلى 16 مايو الجاري، إذ إنها تحتفي بالسرد القصص الفريد، والتميز الفني، وتنوع أصوات السينما العالمية، وذلك ضمن الأجواء الفريدة للمتحف.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">يضم برنامج «ليالي كان السينمائية» أفلاماً حاصلة على جوائز، وقد جرى اختيارها من أرشيف مهرجان كان السينمائي، بالتعاون مع المعهد الفرنسي في دولة الإمارات العربية المتحدة، وبدعم من رينكو أوتاني، وأعمالاً كلاسيكية تم ترميمها، وروائع سينمائية كانت موضع إشادة النقاد، وتُعرض الأفلام على مدار خمس أمسيات متتالية.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويدعو البرنامج الجمهور إلى الاستمتاع برحلات سينمائية آسرة، تحتفي بالسينما العالمية في متحف عالمي، وتجسد التميز السينمائي، وتعزز الحوار بين الثقافات، وتسلط الضوء على التأثير الكبير والمتواصل للسرد القصصي، إضافة إلى توفير تجارب جماعية لا تُنسى، ويتجاوز تأثيرها قاعات العرض.</div></p>

«ليالي كان السينمائية» في اللوفر أبوظبي 12 الجاري

<p class='article-text'>في خطوة تعكس تحولات عميقة في اقتصاد صناعة السينما، أعلنت أكاديمية فنون وعلوم الصور المتحركة، الجهة المنظمة لجوائز جوائز الأوسكار، عن قواعد جديدة تمنع ترشيح الأعمال التي تعتمد على ممثلين أو نصوص مولدة بالكامل بواسطة الذكاء الاصطناعي.</p><p class='article-text'>ووفقاً لتقارير إعلامية من بينها BBC ورويترز، فإن هذه القواعد ستدخل حيز التنفيذ بدءاً من دورة 2027، مع التأكيد على أن الأداء التمثيلي والكتابة يجب أن يكونا من إنتاج بشري خالص.</p><p class='article-text'><b>اقتصاد الإبداع بين الإنسان والآلة</b></p><p class='article-text'>هذا القرار لا يقتصر على الجانب الفني، بل يعكس صراعاً اقتصادياً متنامياً بين رأس المال التكنولوجي ورأس المال البشري في واحدة من أكبر الصناعات الإبداعية في العالم.</p><p class='article-text'><b>هل كان الذكاء الاصطناعي بديلاً أرخص؟</b></p><p class='article-text'>على مدار السنوات الأخيرة، رأت شركات الإنتاج في الذكاء الاصطناعي فرصة لخفض التكاليف، خاصة في مجالات مثل كتابة السيناريوهات أو توليد شخصيات رقمية بالكامل، وظهور نماذج لممثلين افتراضيين، مثل شخصية “تيلي نوروود” التي أثارت جدلاً واسعاً عزز المخاوف من إمكانية استبدال العمالة البشرية.</p><p class='article-text'>لكن قرار الأوسكار يعيد ضبط المعادلة الاقتصادية: فبدلاً من تقليل التكاليف عبر الأتمتة الكاملة، ستظل الاستثمارات في المواهب البشرية، من ممثلين وكتاب، شرطاً أساسياً للمنافسة على أعلى الجوائز، ما يعيد توجيه تدفقات رأس المال داخل الصناعة.</p><p class='article-text'><b>حماية وظائف أم إبطاء الابتكار؟</b></p><p class='article-text'>تأتي هذه الخطوة أيضاً استجابة لضغوط نقابات مثل نقابة الممثلين، التي حذرت من فقدان الوظائف لصالح الخوارزميات، وتشير التقارير إلى أن القواعد الجديدة تسمح باستخدام أدوات الذكاء الاصطناعي كمساعدة، لكنها ترفض “الأداء الاصطناعي الكامل” أو النصوص غير البشرية.</p><p class='article-text'>اقتصادياً، يمكن قراءة القرار كآلية تنظيمية لحماية سوق العمل الإبداعي من صدمة تكنولوجية سريعة، لكنه في الوقت ذاته قد يبطئ من تبني الابتكارات التي قد تخفض التكاليف وتزيد الإنتاجية على المدى الطويل.</p><p class='article-text'><b>إعادة تعريف القيمة في صناعة السينما</b></p><p class='article-text'>القرار يطرح سؤالاً جوهرياً: ما الذي يخلق القيمة في الفيلم؟ هل هو الإبداع البشري أم النتيجة النهائية بغض النظر عن مصدرها؟</p><p class='article-text'>من منظور اقتصادي، يبدو أن الأكاديمية تراهن على “ندرة الإبداع البشري” كميزة تنافسية، فمع انتشار أدوات الذكاء الاصطناعي، قد تصبح القدرة على إنتاج محتوى أمراً متاحاً للجميع، لكن التميز، وبالتالي القيمة السوقية، سيظل مرتبطاً بالعامل البشري.</p><p class='article-text'><b>توازن جديد بين التقنية والإنسان</b></p><p class='article-text'>رغم الحظر، لا يعني ذلك استبعاد الذكاء الاصطناعي من الصناعة، بل على العكس، سيستمر استخدامه في مجالات مثل المؤثرات البصرية وتحليل البيانات، لكن ضمن إطار يضمن بقاء الإنسان في قلب العملية الإبداعية.</p><p class='article-text'>وتشير تحليلات إعلامية إلى أن المرحلة المقبلة قد تشهد نماذج هجينة تجمع بين الكفاءة التقنية والإبداع البشري، بدلاً من الاستبدال الكامل.</p><p class='article-text'>قرار الأوسكار ليس مجرد تحديث تنظيمي، بل مؤشر على تحول اقتصادي أوسع: من سباق نحو الأتمتة الكاملة إلى إعادة تقييم دور الإنسان في اقتصاد الإبداع.</p><p class='article-text'>وبينما تسعى الشركات إلى تقليل التكاليف، يبدو أن القيمة الحقيقية حتى الآن لا تزال مرتبطة باللمسة البشرية.</p>

تحولات اقتصادية تقود هوليوود بعد حظر الذكاء الاصطناعي في الأوسكار

<p class='article-text'><div data-empty="false"> يعود مركز السينما العربية (ACC)، بالتعاون مع «سوق الأفلام» (Marché du Film)، إلى مهرجان كان ببرنامج متعدد الأيام يقام في الفترة من 14 إلى 17 مايو. ومن خلال سلسلة من الندوات، والجوائز، وفعاليات الصناعة التي تسلط الضوء على القيادة، والابتكار، والتوسع العالمي للسينما العربية. ويركز برنامج هذا العام على محاور رئيسية تشكل المشهد السمعي البصري الإقليمي والدولي، من القيادة وتطوير المواهب إلى الابتكار، والمرونة، والانتشار العابر للحدود. وعبر جمع الأصوات الرائدة من جميع أنحاء العالم العربي وخارجه، يهدف مركز السينما العربية إلى تعزيز الحوار والتعاون في أحد أهم التجمعات العالمية للصناعة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وقال علاء كركوتي وماهر دياب، الشريكان المؤسسان لمركز السينما العربية: «في وقت تمر فيه الصناعة بتحول سريع، من المهم التفكير في كيفية استمرار السينما العربية في التطور ووضع نفسها عالمياً. يجمع برنامج هذا العام أصواتاً من مختلف أنحاء المنظومة، من صناع القرار وممثلي المواهب إلى المنتجين والموزعين، لاستكشاف أين نقف اليوم وإلى أين نتجه بعد ذلك. تظل كان منصة رئيسية لهذه المحادثات، ونحن فخورون بمواصلة المساهمة فيها».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وقال جيوم إسميول، المدير التنفيذي لسوق الفيلم: «يسعدنا مواصلة تعاوننا مع مركز السينما العربية، الذي يلعب برنامجه دوراً مهماً في تسليط الضوء على تنوع وتطور السينما العربية. من خلال ندواته وفعالياته، يسهم مركز السينما العربية في هيكلة محادثات ذات مغزى داخل سوق الفيلم، مما يقدم وجهات نظر قيّمة لحوار الصناعة العالمي».</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويتضمن برنامج هذا العام سلسلة من الندوات والفعاليات التي تتناول موضوعات الصناعة الرئيسية: نساء في القيادة: القيادة وصنع القرار في المنطقة 15 مايو، 2 – 3 ظهراً، توسيع نطاق القصص: الإنتاجات المشتركة التي تقود النمو التجاري في المنطقة 16 مايو، 12 – 1 ظهراً (المسرح الرئيسي)، أعمال غير اعتيادية: النمو والابتكار في مشهد متغير 16 مايو، 2 – 3 ظهراً، قوى صاعدة: المواهب العربية إقليمياً ودولياً 17 مايو، 2 – 3 ظهراً (المسرح الرئيسي).</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وتضم قائمة المتحدثين لهذا العام مجموعة مثيرة للإعجاب من المتخصصين الرائدين في السينما والصناعة العالميين من كلا جانبي الكاميرا، بالإضافة إلى شخصيات رئيسية من منظمات مؤثرة.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ويفتح سوق الفيلم – مهرجان كان أبوابه في 12 مايو ويستمر حتى 20 مايو، حيث يجمع الآلاف من محترفي السينما من جميع أنحاء العالم، ويوفر منصة فريدة للتبادل الدولي، والتعاون، ورؤى الصناعة.</div></p>

برنامج ثري لمركز السينما العربية في مهرجان كان السينمائي

<p class='article-text'><div data-empty="false">أعلنت شركة الطيران الألمانية "لوفتهانزا" الجمعة أنها عثرت على تمثال الأوسكار الضائع والذي يعود الى المخرج الروسي بافيل تالانكين، والذي ذكرت تقارير أن مسؤولي أمن أميركيين منعوه من حمله إلى داخل الطائرة خلال رحلة جوية آتية من نيويورك.</div><div data-empty="false">وبعد عملية بحث مكثّف، قالت لوفتهانزا إنها عثرت على التمثال المفقود.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وذكر موقع "ديدلاين" الإخباري المتخصص في أخبار الترفيه أن بافيل تالانكين، الحائز جائزة الأوسكار عن فيلمه الوثائقي "مستر نوبادي أغنست بوتين"، مُنع من إدخال التمثال إلى مقصورة الركاب على متن رحلة جوية من مطار جون إف كينيدي الأربعاء.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأفاد الموقع بأن مسؤولي إدارة أمن النقل الأميركية (TSA) أبلغوه بأن التمثال قد يُستخدم كسلاح، وأُجبر على شحنه في صندوق من الكرتون في عنبر الأمتعة، وعند وصوله إلى ألمانيا، كان التمثال الذهبي قد فُقد.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وقالت لوفتهانزا في بيان "نأسف بشدة لهذا الموقف، فريقنا يتعامل مع هذه المسألة بأقصى درجات العناية والسرعة، ونجري بحثا دقيقا وشاملا لضمان العثور على جائزة الأوسكار وإعادتها في أسرع وقت ممكن".</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وبعد ساعات، أصدرت الشركة بيانا جديدا أكدت فيه أن تمثال الأوسكار أصبح الآن في عهدتها في فرانكفورت، وأنها ستعيده إلى تالانكين في أسرع وقت.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ولم توضح الشركة كيفية فُقدان التمثال، مشيرة إلى أنّ "تحقيقا داخليا في ملابسات الحادثة لا يزال جاريا".</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأضافت "نأسف بشدة للإزعاج الذي تسببنا به، وقد اعتذرنا للحائز الجائزة".</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وأثار بافيل تالانكين البالغ 35 عاماً ضجة كبيرة عندما فاز بجائزة الأوسكار لأفضل فيلم وثائقي طويل في مارس، إلى جانب المخرج الأميركي ديفيد بورنشتاين.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">يروي فيلم "مستر نوبادي أغنست بوتين" الذي صوّره تالانكين سرا في روسيا، قصة إدخال مناهج وطنية مؤيدة للحرب في المدارس الروسية خلال فترة رئاسة فلاديمير بوتين، في سياق الهجوم الروسي على أوكرانيا.</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">وصرح تالانكين لموقع "ديدلاين" بأنه سافر حاملا التمثال ما لا يقل عن اثنتي عشرة مرة بدون أي مشاكل، وقال لدى وصوله إلى فرانكفورت صباح الخميس "من غير المعقول بتاتا أن يعتبروا جائزة الأوسكار سلاحا"، مضيفا أنه في رحلات سابقة "كان يحمله معه إلى مقصورة الركاب، ولم تكن هناك أدنى مشكلة".</div></p><p class='article-text'><div data-empty="false">ووفقا لموقع "ديدلاين"، عرض عليه أحد موظفي شركة لوفتهانزا مرافقته إلى بوابة الصعود إلى الطائرة وحفظ التمثال بأمان خلال الرحلة، إلا أن مسؤولا في إدارة أمن النقل رفض هذا العرض.</div></p>